Para empezar a diseñar personajes como un pro debemos remontarnos a algunos de nuestros personajes favoritos, desde Bugs Bunny hasta Pikachu, el diseño es a menudo lo último que nos viene a la mente. Eso es lo que hace el buen diseño de personajes: esconde al diseñador y deja atrás solo un personaje memorable. Pero los grandes personajes no surgen de la nada, son el resultado de la planificación, la narración visual y la habilidad artística.
Desde las famosas manos de tres dedos de Mickey Mouse (dibujadas para acelerar la producción cuando se desarrolló por primera vez para las animaciones en la década de 1920), hasta la elegante simplicidad de Homero Simpson, crear personajes siempre se ha tratado de mantenerlo simple.
Pero, ¿qué debes tener en cuenta para el diseño de tu personaje? Aparte de las líneas limpias y las características fácilmente legibles, hay que saber qué exagerar y qué minimizar, cómo dar un toque de profundidad y trasfondo y qué hacer para desarrollar la personalidad.
Tips para diseñar de personajes como profesional
01. No pierdas la magia
Muchos diseñadores de personajes comienzan su proyecto con un boceto. Y la mayoría está de acuerdo en que, a menudo, es allí donde se captura la esencia del personaje. Entonces, cuando estés trabajando en tu diseño, asegúrate de no perder esa magia.
«Cuando comiences con el diseño de tu personaje, no te dejes atrapar por los detalles»
Pernille Ørum.
Decide lo que estás tratando de comunicar, luego crea bocetos sueltos con movimiento, actuación y fluidez. Tan pronto como comiences a ajustar el dibujo, perderás automáticamente parte de la dinámica, por lo que es importante tener vida en las primeras etapas como sea posible. El movimiento es casi imposible de agregar más adelante, así que asegúrate de que esté en el boceto inicial.
02. Aléjate del material de referencia
Si bien la inspiración debe venir de algún lado, el objetivo es crear algo original. Por eso, Robert Wallace, conocido como Parallel Teeth, sugiere no tener el material de referencia en frente mientras trabajas.
Si miras algo y luego tratas de recordarlo vagamente en tu mente, es cuando terminas haciendo algo nuevo, en lugar de una copia de algo.
Aquí puedes ver la nueva versión de Wallace de figuras festivas conocidas, creada para una tienda departamental de Hong Kong.
03. Investiga otros personajes
Como guía, puede ser útil intentar deconstruir por qué ciertos diseños de personajes funcionan y por qué otros no. No hay escasez de material de investigación, con personajes ilustrados que aparecen en todas partes: en comerciales de televisión, cajas de cereales, letreros de tiendas, pegatinas en frutas, animaciones en teléfonos móviles y más. Estudia estos diseños de personajes y piensa qué hace que algunos sean exitosos y qué te gusta en particular de ellos.
Cuando trabajas con personajes necesitas estar inspirado y puedes hacerlo a través de la investigación. Tu mente es una biblioteca visual que puedes llenar. Trata de notar a las personas que te rodean: cómo caminan, sus gestos, cómo se visten, y utilízalos en tu diseño.
04. … pero también busca en otra parte
También es una buena idea mirar más allá de los diseños de personajes cuando se busca inspiración.
«Me gustan mucho los rituales de apareamiento de las aves»
Rowan
Los movimientos extraños pueden provocar un comportamiento de carácter único.
«Cuando comienzo un proyecto, a menudo empiezo con el sentimiento que quiero evocar»
Rowan
El proceso comienza con el diseñador tomando videos de sí mismo como referencia, tratando de capturar algo del movimiento o postura de la idea del personaje.
Otras inspiraciones incluyen la cerámica, texturas orgánicas y una paleta de colores que hagan que tu trabajo se sienta vivo.
05. No pierdas de vista la idea original
Es fácil dejar inconscientemente que nuestros diseños favoritos nos influyan. Cornelia Geppert, directora ejecutiva del estudio de juegos indie Jo-Mei, es una gran fan de The Last Guardian, con su estética única y excelentes diseños de personajes de videojuegos.
En un momento, uno de los miembros de su equipo tuvo que decirle que su diseño para un nuevo videojuego se parecía demasiado a The Last Guardian. Jo volvió a mirar sus obras de arte iniciales y el proyecto volvió a encaminarse.
06. Exagera
Exagerar las características definitorias del diseño de tu personaje ayudará a darle más vida. Las características exageradas también ayudarán a los espectadores a identificar las cualidades clave del personaje. La exageración es clave en las caricaturas de dibujos animados y ayuda a enfatizar ciertos rasgos de personalidad. Si tu personaje es fuerte, no solo le des brazos abultados de tamaño normal, trabájalos para que sean cinco veces más grandes de lo que deberían ser.
La técnica de la exageración también se puede aplicar a las características. La divertida película Enough de Anna Mantzaris (arriba) muestra personajes cotidianos en situaciones mundanas, haciendo las cosas que todos soñamos hacer en un mal día. En animación es divertido que puedas llevar las cosas más lejos, y la gente aún lo aceptará como real. Con la acción en vivo se vería absurdo. También puedes llevar la emoción más allá.
07. Decide a quién va dirigido el diseño de tu personaje
Piensa en tu audiencia. Los diseños de personajes dirigidos a niños pequeños, por ejemplo, generalmente se diseñan en torno a formas básicas y colores brillantes. Si trabajas para un cliente, el público objetivo del personaje suele estar predeterminado.
Los diseños de personajes encargados suelen ser más restrictivos, pero no menos creativos. Los clientes tienen necesidades específicas, pero también quieren que el artista haga lo suyo. Por lo general, se desglosa las características principales y la personalidad. Por ejemplo, si los ojos son importantes, entonces enfoca todo el diseño alrededor de la cara, haciendo de esta la característica clave a destacar.
08. Haz que tu personaje se distinga
Ya sea que estés creando un mono, un robot o un monstruo, puedes garantizar que habrán otras cien creaciones similares por ahí. El diseño de tu personaje debe ser fuerte e interesante en un sentido visual para llamar la atención de la gente.
Al idear Los Simpson, Matt Groening sabía que tenía que ofrecer a los espectadores algo diferente. Calculó que cuando los espectadores hojeaban los canales de televisión y se encontraban con el programa, el color amarillo inusualmente brillante de la piel de los personajes llamaría su atención.
09. Crea siluetas claras
Otra buena forma de hacer que tu personaje sea distinto y mejorar su pose es convertirlo en una silueta. Entonces puedes ver cómo se ‘lee’ el personaje y si necesitas hacer el gesto más claro. ¿Entiendes la emoción del personaje y ves la línea de acción? ¿Se pueden simplificar las cosas? Intenta no superponerlo todo, y mantén las extremidades separadas del cuerpo para definir mejor la silueta.
10. Desarrolla una línea de acción
Un aspecto clave a considerar al diseñar personaje es la línea de acción. Esto es lo que define la dirección de tu personaje, además de ser una herramienta narrativa útil y aportar sensación de movimiento.
Trata de llevar la línea de acción hasta las extremidades. Una bailarina de ballet es un buen ejemplo: enfatizan la línea desde la punta de los dedos de los pies hasta la punta de los dedos de las manos. La línea de acción también es más fácil de ver en criaturas con menos miembros, por lo que las sirenas son un tema ideal para desarrollando una sólida línea de acción.
11. Hazlo personal
El videojuego Sea of Solitude de Geppert es una exploración de sus experiencias de soledad. Por muy personal que pueda ser, el juego tocó la fibra sensible del público cuando se presentó en el E3 a principios de año, porque se trata de una experiencia que es tan universal pero extrañamente tabú.
El mejor arte se basa en experiencias personales. La gente puede relacionarse mejor si se basa en la verdad. No es una historia inventada, aunque está basada en un escenario fantástico.
12. Encuentra la postura primero
Félicie Haymoz ha trabajado con Wes Anderson en sus dos películas animadas: Fantastic Mr Fox e Isle of Dogs. Cuando se embarca en un nuevo diseño de personaje, a Haymoz le gusta empezar por encontrar la postura del individuo. Este elemento puede hacer que la bola empiece a rodar en toda la sensación de la personalidad. Félicie trata de capturar la postura del personaje. ¿Están encorvados o están sentados erguidos y orgullosos? También señala que es importante corregir la cara.
13. Considera la calidad de la línea
Las líneas dibujadas de las que se compone el diseño de tu personaje pueden ayudar a describirlo. Las líneas gruesas, uniformes, suaves y redondas pueden sugerir un carácter agradable y accesible, mientras que las líneas nítidas, ásperas e irregulares pueden indicar un carácter inquietante y errático.
Se recomienda equilibrar las líneas rectas y curvas. Las líneas rectas y curvas le dan ritmo al diseño de tu personaje. Una línea recta (o una línea simple) guía la vista rápidamente, mientras que una curva (o línea detallada) la ralentiza.
También vale la pena considerar el equilibrio entre estiramiento y compresión. Incluso una pose neutral puede llamar la atención al aplicar estos dos enfoques, lo que resulta en un diseño de personajes efectivo.
14. Usa una estructura graciosa
Rowan se hizo un nombre por sí mismo al compartir clips humorísticos de sus personajes en Instagram, y luego trabajó en proyectos para Disney, la BBC y MTV, y se ganó un premio BAFTA y una nominación en el proceso. Sin embargo, fueron sus años menos exitosos como comediantes los que le proporcionaron inspiración para las animaciones de sus personajes característicos.
Es a través del stand-up que aprendío la brevedad. Es una especie de estructura de broma. Saber cómo encuadrar el clip provinieron de los fracasos pasados y los éxitos en el escenario.
15. Mantenlo simple
Además de saber cuándo exagerar, también deseamos resaltar la importancia de la simplicidad. Siempre trata de comunicar los diseños con la menor cantidad de líneas posible. No significa que no se haya trabajado en crear el volumen, la ubicación y el diseño del personaje, pero trata de simplificar todo lo posible y solo poner por las líneas y colores que transmitan la información necesaria.
16. Considera todos los ángulos
Dependiendo de lo que hayas planeado para el diseño de tu personaje, es posible que debas averiguar cómo se verá desde todos los ángulos. Un personaje aparentemente plano puede adoptar una personalidad completamente nueva cuando se ve de lado si, por ejemplo, tiene una barriga cervecera enorme.
En el taller del Curso intensivo de diseño de personajes en Pictoplasma 2019, Jurevicius y Rilla Alexander pidieron a los asistentes que dibujaran su personaje en poses de otros asistentes, estilo de dibujo natural.
Y si vas a convertirlo en una tira cómica, no solo tendrá que tener sentido desde todos los ángulos, sino que también debe verse bien.
«Cómo dibujar a Hilda por detrás sin que su cabello se trague su silueta», cómo dibujar su boina desde arriba; cómo debería verse su nariz… estos fueron todos los problemas con los que Pearson tuvo que lidiar al crear su personaje. Todos los problemas condujeron finalmente a soluciones de diseño.
17. Constrúyelo en 3D
Si tu personaje va a existir dentro de un mundo en 3D, como una animación o incluso como un juguete, calcular su altura, peso y forma física es muy importante. Alternativamente, ve un paso más allá y crea un modelo.
Incluso si no eres alguien que trabaja en 3D, puedes aprender mucho al convertir tu personaje en tres dimensiones. Es una parte clave del proceso que siguen los alumnos de la Pictoplasma Academy.
18. Elije los colores con cuidado
Los colores pueden ayudar a comunicar la personalidad de un personaje. Por lo general, los colores oscuros como el negro, los púrpuras y los grises representan a los malos con intenciones malévolas.
Los colores claros como el blanco, el azul, el rosa y el amarillo expresan inocencia y pureza. Los rojos, amarillos y azules de los cómics pueden contribuir de alguna manera a dar cualidades de héroe al diseño de un personaje.
Para elegir colores eficaces, es importante comprender las reglas básicas del color. Familiarícese con los colores primarios, secundarios y terciarios, así como con los colores monocromáticos y complementarios. Una técnica para generar una paleta de colores efectiva es elegir dos colores complementarios y trabajar con ellos en un esquema de color monocromático.
Crearás equilibrio porque los colores complementarios crean dinamismo, mientras que los colores monocromáticos evocan sentimientos de calma. También puedes probar un esquema de color terciario, que agrega un tercer color (por ejemplo, violeta, naranja y verde), y luego trabaja con monocromático versiones de esos colores, pero requiere más planificación y habilidad para que funcione bien. Si es nuevo en el color, intenta que sea simple.
También puedes encontrar paletas listas para usar y ahorar un poco de tiempo con esta lista de Las Mejores Aplicaciones Gratuitas para Generar Paletas de Color.
19. No olvides el cabello
«Hace algunos años pasé de odiar dibujar el cabello a amarlo», Ørum. «Anteriormente, solía ver trabajar todos los detalles y direcciones del cabello como un esfuerzo tedioso. Ahora lo pienso más como una forma orgánica, que el cabello como una bandera en el viento indica y enfatiza el movimiento del personaje, o lo que hay a sus alrededores.
Comienza creando una forma grande y divídala en secciones más pequeñas, mientras piensas dónde se divide el cabello y dónde está la línea del cabello. Cada línea debe ayudarte a definir el volumen, la forma y la dirección del cabello.
20. Agrega accesorios
Los accesorios y la ropa pueden ayudar a enfatizar los rasgos del personaje y sus antecedentes. Por ejemplo, se puede usar ropa desaliñada para los personajes pobres y muchos diamantes y joyas para los ricos. Los accesorios también pueden ser extensiones más literales de la personalidad de tu personaje, como un loro en el hombro de un pirataa.
21. Centrate en la expresión facial
Las expresiones que muestren la gama de emociones de un personaje y que describan sus altibajos darán más cuerpo a tu personaje. Dependiendo de su personalidad, las emociones de una figura pueden ser apagadas e irónicas o explosivas y tremendamente exageradas.
Cuando sepas los conceptos básicos para dibujar una cara, juega con la expresión del personaje. Usa un espejo para leer tu propio rostro y notar los cambios sutiles. Usa tus cejas para mostrar emoción. Evita darle simetría al rostro. La boca siempre favorecerá un lado y le dará vida al dibujo.
Se pueden encontrar ejemplos clásicos de expresiones exageradas en el trabajo del legendario Tex Avery: los ojos de su personaje de Wild Wolf a menudo salen de su cabeza cuando está emocionado.
22. Dale metas a tu personaje
La fuerza detrás de la personalidad de un personaje es lo que quieres lograr. Este ‘algo’ que falta, ya sea riquezas, una novia o resolver un misterio, puede ayudar a crear el impulso dramático detrás de las historias y aventuras que tu personaje enfrenta. A menudo, el carácter incompleto o las fallas en el diseño de un personaje son lo que lo hace interesante.
23. Construye una historia de fondo
Si estás planeando que el diseño de tu personaje exista dentro de los cómics y animaciones, entonces es importante desarrollar su historia de fondo. De dónde viene, cómo llegó a existir y cualquier evento que le haya cambiado la vida ayudará a respaldar la solidez a tu personaje A veces, contar la historia de fondo de un personaje puede ser más interesante que las aventuras presentes del personaje.
Si tienes problemas cuando intentas captar la esencia de un personaje, intenta pensar en ellos en una situación determinada. Usa la historia para pensar en las emociones de tu personaje antes de empezar el diseño, y luego agrega los detalles. Establecer la escena es la mejor ayuda cuando miras una hoja de papel en blanco, ¡y también hace que el proceso sea más divertido!»
24. Recuerda que no se trata solo de la cara
Yukai Du no es lo que llamarías un diseñador de personajes típico: ninguno de sus trabajos presenta rostros. En cambio, su parte del cuerpo de elección son las manos. Habiendo descubierto que no era buena capturando emociones específicas dentro de una expresión facial, se dirigió a una parte diferente del cuerpo: las manos. Las manos son muy expresivas. Puedes contar muchas historias con las manos y hacerlo de una manera muy sutil. Las manos se convirtieron en su forma de contar historias.
25.Haz que el diseño de tu personaje sea flexible
Tener software y materiales decentes para trabajar es útil, pero no esencial, cuando se trata de darle vida a tu personaje. Muchos personajes asombrosos se diseñaron con éxito hace años cuando nadie tenía computadoras personales y Photoshop era solo un sueño.
Si tu personaje es realmente fuerte, deberías poder capturarlo con solo lápiz y papel.
26. Obtén comentarios de los demás
Muestrale a la gente tus creaciones y pregúntales qué piensan. No te limites a preguntar si les gustan o no. En su lugar, fíjate si pueden captar las personalidades y los rasgos de tus personajes. Encuentra quién crees que es la audiencia adecuada o ideal para tu trabajo y obtén comentarios específicos al respecto.
27. Hazlo honesto
«Gran parte de mi proyecto comercial surge de mi trabajo personal. Es por eso que trato de hacer que mi trabajo personal sea tan honesto con lo que me gusta. Creo que el espectador se da cuenta de que no estoy simplemente marcando casillas»
John. Vínculo
El ilustrador lanzó recientemente su primer libro ilustrado, NOT LOST, basado en el diseño de su personaje Mini Rabbit.
28. Crea el entorno adecuado
De la misma manera que creas una historia para tu personaje, necesitas crear un entorno para que ayude a consolidar aún más la credibilidad en tu creación. El mundo en el que el personaje vive e interactúa debería tener sentido de alguna manera para saber quién es el personaje y qué hace.
29. Afina la figura
Cuestiona cada elemento de tu creación, especialmente cosas como sus rasgos faciales. La más mínima alteración puede tener un gran efecto en cómo se percibe tu personaje.
El ilustrador Neil McFarland aconseja: «Piensa en el significado de la palabra» personaje «. Se supone que debes dar vida a estas cosas, hacerlas atractivas y darles la magia que permitirá a las personas imaginarse cómo son y cómo podrían moverse «.
30. No tengas miedo de hacer cambios
Hilda ha cambiado a lo largo de los años, de un libro a otro, pero Pearson explica que nadie lo ha molestado. «Me gusta pensar que significa que el diseño es lo suficientemente fuerte como para resistir ser empujado en diferentes direcciones», dice.